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Guerres

Mardi 07 Février 2012

Comment des cinéastes expérimentaux traitent de la guerre, une thématique récurrente dans la production, des guerres d’hier et d’aujourd’hui, dans des styles multiples et des formes très courtes.

GUERRES

Mardi 07 Février 2012 à 20h00

	GLASS CROW de Steven SUBOTNICK 2004 / Vidéo / coul / son / 6′ 20
	POCKET WAR de Paulo ABREU 2005 / Vidéo / coul / son / 1′ 35
	THE FORM OF THE GOOD de James T. HONG 2005-2006 / Vidéo / n&b / son / 4′ 00
	PATHS OF G de Dietmar OFFENHUBER 2006 / Vidéo / coul / son / 1′ 30
	WAR de Thomas STEINER 2006 / Vidéo / coul / son / 7′ 20
	STAR WAARS de Kohei ANDO 1978 / 16 mm / coul / son / 3′ 00
	DISPLACED PERSON de Daniel EISENBERG 1981 / 16 mm / n&b / son / 11′ 00
	CLAIMING TERRITORY de Louise CRAWFORD 1993 / 16 mm / n&b / son / 3′ 35
	WAR SONGS de Lawrence F. BROSE 1990 / 16 mm / coul / son / 12′ 00
	WARM OBJECTS de Peggy AHWESH 2007 / Vidéo / coul / sil / 6′ 00
	HOTEL DIARIES (PARTS 1-3) de John SMITH 2001-2004 / Vidéo / coul / son / 34′ 54
	HEZRAELAH de Yann BEAUVAIS 2006 / Vidéo / coul / sil / 0′ 40
	EPITATH de Walter UNGERER 2008 / Vidéo / coul / son / 9′ 46
	JEU ET SERIEUX de MEICHLER Luc & RAPP-MEICHLER Gisèle 2009 / Vidéo / n&b / son / 4′ 10

Présentation :

Chers amis du festival,

toute l’équipe du festival pointdoc vous souhaite une belle année 2012 !!!

En attendant le début des festivités, nous vous proposons de découvrir la sélection 2012 et les portraits des membres du jury.

Pour la deuxième édition de ce festival en ligne, retrouvez 20 films documentaires d’auteurs visibles à tout moment pendant quinze jours. Chaque jour, nous mettrons un film à la une. Et chaque soir, vous retrouverez le réalisateur de ce film avec qui vous pourrez échanger lors d’une session de tchat.

N’hésitez pas à faire vivre le festival : laissez vos commentaires sur les films et n’oubliez pas de voter à partir du 15 janvier pour sélectionner le film : “Coup de coeur du public”.

Retrouvez nos petites vidéos : “quelques avis sur le documentaire depuis la rue” et “quelques avis sur le documentaire par les membres du jury” sur http://www.festivalpointdoc.fr/videos.html

Une séance variée, “amusée” (et amusante) sur un thème qui l’est moins, l’univers du travail…

Cette séance sera accompagnée tout du long par un sociologue qui montrera son premier film (“LE FACTEUR HUMAIN “, 30′, 2011), produit par le G.R.E.C. l’année
dernière, avant de commenter sa sélection d’images tirées du film de René Clair “A NOUS LA LIBERTE”.

Un débat et des surprises suivront… (ainsi qu’un intermède) pour vous laisser ensuite NEZ à nez, OEIL pour oeil, DENTS pour dents et les “OREILLES libres” avec
une pépite de cinéma rare et inestimable: “BLUE COLLAR”, film américain des seventies réalisé par Paul Schrader (1978).

« On connaît la chanson. C’est pas une usine, c’est une plantation. (…). Ils montent les vieux contre les jeunes, les Noirs contre les Blancs, pour nous garder
à notre place. »
Un casting original et truculent avec Richard Pryor (le premier vrai « monstre » comique noir américain à qui Eddie Murphy ne cessa de tirer sa révérence),
Yaphet Kotto (“Bone”, “Meurtres dans la 110ème rue”, “Alien”, “Brubaker”) et Harvey Keitel (“Mean Streets”, “Fingers”, “Bad Lieutenant”, “Reservoir Dogs”)
dans leur meilleur rôle.

La musique a été composée et arrangée par le génial Jack Nitzsche (avec la collaboration de Ry Cooder) qui va s’amuser à décliner la chanson titre du générique
tout du long (« Hard Workin’Man » de Captain Beefheart) avant d’installer d’angoissantes dissonances…

“Dès le générique, avec la musique de blues, Paul Schrader a compris que le blues était lié à aux rythmes des bruits scandés du travail : bruits des trains,
marteaux, camions. Et la manière dont il intercale de vrais bruits d’usine au milieu de la musique c’est une intuition réelle des origines du blues.” (Warrington Hudlin)

Et c’est au Shakirail, 72 rue riquet, Paris 18.
Métro Marx Dormoy, La Chapelle ou Riquet.
Dimanche 22 janvier.
A 19h on ouvre les portes et vers 20h, on les ferme. Soyez à l’heure ! Entrée en prix libre .

On vous attends ! A bientôt.–

La séance sera animée par Léa Bismuth, commissaire indépendante et critique d’art. Elle écrit dans divers supports et notamment très régulièrement dans Artpress. Ses recherches la mènent à explorer les liens qu’entretiennent le cinéma, les arts plastiques et la littérature, à partir du concept d’ « expérience intérieure ».

Aurelia Steiner (Melbourne) de Marguerite Duras, D.R.

Expériences sensibles au cinéma : dans le sillage de Marguerite Duras de Léa Bismuth

 L’envie de présenter des films d’artistes, de cinéastes qui viennent d’horizon différents : Mihye Cha, Jérémie Scheidler, Pierre et Jean Villemin.

Tous les quatre, à leur manière, interrogent la question d’une émotion littéraire surgissant au cinéma. Que ce soit par l’utilisation d’une voix-off souvent poétique qui viendrait « habiter » et « passer à travers » l’image en mouvement, ou encore par la volonté de faire exister un monde intime, ces artistes s’emparent d’un certain Réel pour tenter de ciseler quelque chose à sa surface.

Tous ont un rapport fort à l’écriture, comprise comme l’expression d’un monde intime et aussi comme un appel désespéré : à en croire Marguerite Duras, la voix-off au cinéma serait le seul et unique moyen d’appeler les morts sans sépulture, ces âmes errantes que le cinéaste se doit peut-être, par un geste politique gratuit et insensé, de ramener sur les rives de la vie. Et c’est bien là qu’il faut comprendre que l’écriture d’un récit intime, la restitution d’une expérience intérieure, est toujours déjà habitée d’un universel appel vers l’au-delà. Les artistes présentés ont tous un lien avec l’idée de journal intime : c’est simplement une voix qui décide qu’il faut traduire le silence qui habite les êtres.

Le film qui guide cette séance est Aurélia Steiner (Melbourne) (1979), de Marguerite Duras, cette longue et lente traversée de Paris sur la Seine, pendant que la voix-off de l’auteur entraîne le spectateur dans une fiction impossible, sans nom.

A partir de là, on comprendra que les films de Mihye Cha, Jérémie Scheidler et Pierre et Jean Villemin sont tous à leur manière des voyages sur la Seine : Mihye Cha navigue dans son passé et son pays d’origine, entre brume et obscurité, dans un état fantomatique ; Jérémie Scheidler cherche sans cesse à capter, de manière plus documentaire, l’être politique des choses, entre suicide, poésie et quête d’une sens politique à la vie ; enfin, les Villemin nous entraînent sur des chemins qui ne mènent nulle part, si ce n’est vers une insaisissable mélancolie.

Ces films cherchent à recueillir ces moments où la vie devient comme une pointe, ces instants fragiles et fugaces où l’existence, soudainement, advient à elle-même.

Jérémie Scheidler, D.R.

Films diffusés (durée totale : 66min) :

Aurélia Steiner (Melbourne), de Marguerite Duras (1979, 27min)
Moirure de Mihye Cha (2011, 13min)
Extraits vidéos du ciné-journal de Jérémie Scheidler (2011, total 11min)
Contes Saturniens de Pierre et Jean Villemin (2011, 15min).

Entrée libre
Pour prendre connaissance du programme des séances à venir, cliquer ici.

THREE CHICAGO FILMMAKERS

Une séance du CJC présentée par Eleftheria Lialios et Pip Chodorov.

Le cinéma d’avant-garde est comme la vie : indicible, imprévisible, sa nature étrange ne peut pas s’expliquer par de simples mots. Comme dans la vie, le scénario peut être confus, la voix parfois bouleversante, le montage chaotique. Le manque d’une narration linéaire lui confère un pouvoir auquel les récits linéaires ne peuvent pas prétendre. Il provient de la même source mystérieuse que la vie.
Les films de Michelle Fleming, Eleftheria Lialios et Tom Palazzolo, tous les trois professeurs de cinéma à la School of the Art Institute of Chicago, montrent la beauté inhérente et unique du 16mm. La singularité de chaque cinéaste est marquée par sa main et par son expérience. Cette projection sera une première en France pour chacun des titres, et la première réunissant les trois cinéastes.

PROGRAMME

LIFE/EXPECTANCY, Michelle Fleming, Etats-Unis, 1999,16mm, n/b, 30’
Life/Expectancy questionne la recherche du sens de la vie d’une femme qui a la cinquantaine. Pour trouver “sa propre histoire”, cette femme ressent (dans chaque cellule de son corps, avec le risque du cliché) qu’elle doit trouver un code de mémoire à l’intérieur d’elle-même, quelque chose incluant aussi un code de valeurs culturelles.

JERRY’S, Tom Palazzolo, Etats-Unis, 1967, 16mm, 9’
Jerry’s observe le désordre à l’heure du déjeuner dans un magasin de sandwichs de South Loop où son propriétaire éponyme est connu pour aboyer contre ses clients. Les souvenirs plus calmes de combattant pendant la deuxième guerre mondiale et de son combat contre la discrimination raciale d’après guerre viennent s’intercaler entres ces scènes.

LOVE IT OR LEAVE IT, Tom Palazzolo, Etats-Unis, 1970, 16mm, 14’
Love It/Leave It alterne des images de la contestation annuelle Naked City à Roselawn, en Indiana, de ses habitants et de la consommation américaine avec des images de la Convention des Démocrates de Chicago de 1968 (on aperçoit William S. Burroughs, Mayor Richard J. Daley et Allan Ginsburg). Le film produit un crescendo avec le refrain insistant de l’expression de la période du Viet-Nam “love it or leave it”.

O, Tom Palazzolo, Etats-Unis, 1967, 16mm, 12’
Pour O, un de ses premiers films, le cinéaste s’est inspiré en partie d’Entr’acte, le film de 1924 de René Clair avec Francis Picabia. L’emploi de la double exposition, de l’association libre et de l’improvisation, du clair-obscur et d’une musique concrète est un hommage aux maîtres du Dadaïsme et du Surréalisme. Un tour de force de la contre-culture civile et politique de la fin des années 60.

IF I PROFANE, Eleftheria Lialios, Etats-Unis, 2001, 16mm, 7’
Cet extrait de Roméo et Juliette (1er acte, Scène 5) est une mise en images de l’expérience du premier baiser, l’ombre d’un corps sur l’autre. A travers ce baiser, se produit une transformation : deux personnes deviennent un seul être. Une union spirituelle vue à travers des couches multiples, avec des palettes de rouge foncé et de bleu. L’union spirituelle de deux personnes grâce à un baiser. De nombreux effets réalisés dans la caméra créent la vision du rêve.

AUTOBIOGRAPHY OF A GREEK WOMAN PART 2, Eleftheria Lialios, Etats-Unis, 1999, 16mm, 8’
Le film (en plusieurs parties) est la synthèse d’un travail photo autobiographique commencé en 1978. Dans cette partie, j’ai commencé à utiliser mes photos dans une durée qui défie la vision théorique dominante si bien exprimée par Susan Sontag dans Sur la photographie : « Il est possible que les photos soient plus mémorables que les images animées, car elles délimitent des tranches de temps ; elles ne défilent pas. »

I HAD THIS DREAM LAST NIGHT…, Eleftheria Lialios, Etats-Unis, 1998, 16mm, 17’
Le journal filmé de la mort de ma fille Elektra à l’âge de cinq ans à cause d’un cancer.

“Après des études de théâtre et de cinéma au cours desquelles il s’intéresse déjà au rôle de la musique, Daniel Deshays, né en 1950, entame une carrière d’ingénieur du son et de réalisateur sonore, dans tous les domaines : cinéma, théâtre, télévision, disque, danse, arts visuels… Réalisateur sonore, il a conçu un grand nombre de bandes son pour des spectacles vivants et aime définir sa passion pour la réalisation en ces termes : “l’écriture sonore est conçue par celui qui traque le son, qui le traite et qui le joue, dans le temps de la traque, du traitement et du jeu ; seul celui qui le produit peut l’inventer et le mettre en scène.” Il travaille sur le rapport entre le son et l’espace.” (Anne Luthaud)
Le Blog documentaire vient de publier le troisième volet de textes tirés du dernier livre de Daniel Deshays : “Entendre le cinéma” (éditions Klincksieck, 2010).

Entendre le cinéma (1)
Entendre le cinéma (2)
Entendre le cinéma (3)