Philippe Cote

En 1974, Georges de Beauregard passe commande à Jean-Luc Godard d’un remake d’À bout de souffle. Le projet s’intitule donc À bout de souffle numéro deux, et il s’agira, non de remettre en scène le grand succès de 1960 (ainsi que s’y emploiera Jim McBride en 1985), mais de discuter les fondements de ce film — qui fut décrit par Godard à l’époque comme Moi, un blanc, transposition du Moi, un noir de Jean Rouch.
En 2012, Pascal Beausse, responsable des collections photographiques,et Pascale Cassagnau, responsable des collections audiovisuelles, vidéo et nouveaux médias au Centre National des Arts Plastiques, montent à La Virreina de Barcelone une exposition intitulée Número tres, qu’ils présentent ainsi. “Número tres souhaite actualiser les formes, idées et figures inventées en 1975 par Jean-Luc Godard pour son film Numéro deux, en partant du motif de la fusion entre maison et usine qui fonde l’image originelle de ce film. Avec Numéro deux, Jean-Luc Godard se proposait de ‘penser la maison en terme d’usine’ et allait jusqu’à identifier la maman au paysage et le papa à l’usine.Aujourd’hui, si l’usine est toujours dans le paysage, elle est désormais délocalisée, vidée de ses machines, sur lesquelles travaillent d’autres ouvriers, ailleurs, là où le marché a décidé de les transporter désassemblées dans des supercargos porte-containers.Le parcours de l’exposition offre une trajectoire toujours recommencée de la maison à l’usine, de l’intime au travail, dans une traversée de la ville, entre ces deux lieux si éloignés et pourtant si proches, à travers les représentations contemporaines de la vie domestique, des territoires urbanisés, des gestes de l’amour et du travail. Alors que les structures du couple, de la famille, de l’économie et de la société ont profondément évolué et que les problèmes évoqués dans Numéro deux se sont accentués et reformulés sous l’impact de la mondialisation.” À cette occasion, le philosophe et plasticien Jordi Vidal se voit confier la réalisation d’un essai visuel, qui deviendra History Minus Zero_ No Limit (dialogue cinématographique) et dont il décrit ainsi la dynamique : “Nous avons réalisé History Minus Zero_ No Limit en retournant les propositions du Godard de 1975, comme on retourne un gant.”

On ne saurait être plus fidèle à l’entreprise de Jean-Luc Godard, qui n’a cessé d’élaborer les figures visuelles du recommencement, du retour, de l’effacement, de la réplique et de la reprise, au titre des moyens élémentaires de la discussion visuelle. Parmi ces figures, celle des formes possibles de l’interruption des chaînes d’images s’impose par son caractère manifeste et multiple. L’image selon Godard travaille en effet moins à montrer ou faire écran qu’à discuter, elle devient le moment cristallisé d’une maïeutique sans fin où se testent les vertus argumentatives des enchaînements et déchaînements de graphes, de motifs et de sons. “Numerous Godard” assemble quatre des items godardiens les plus clairement structurés par le principe de la discussion d’images : l’épisode “Claude Jean-Philippe” de 6X2, Numéro deux, Letter to Jane, Ici et Ailleurs, et les confronte aux films historiques parfois méconnus qui leur ont répondu – intentionnellement ou non : Introduction to the Enemy de Haskell Wexler et Jane Fonda, We Are the Palestinian People du groupe Single Spark Films. Le retournement d’images se prolonge d’échos contemporains qui participent au renouvellement des formes documentaires : Les Bosquets de Florence Lazar constitue le chapitre le plus récent d’une réflexion collective sur les grands ensembles qui avait commencé avec Deux ou trois choses que je sais d’elle ; l’épisode 2 de la série France, Détour de Frédéric Moser et Philippe Schwinger documente crûment l’état actuel de la transmission pédagogique ; le film collectif Far From Afghanistan, inspiré par la position politique et la polymorphie de Loin du Vietnam, alimente le constat du grand Nagisa Ôshima, rédigé tandis qu’il réalisait son épisode de la série “le Siècle du cinéma” pour laquelle Godard réalisa 2X50 ans de cinéma français : “Chaque fois qu’un pays comportera des tension sociales majeures et que son peuple – particulièrement sa jeunesse – souffrira de cette détresse, il apparaîtra toujours des metteurs en scène pour la représenter. Ils ne surgissent pas en individus isolés, mais plutôt en groupe ou en classe. Un tel processus ne se cantonne pas au cinéma, de telles idées révolutionnaires s’épanouissent et infiltrent tous les aspects de la vie et, parmi ceux-ci, les différentes disciplines artistiques, les comportements, la culture”.

(Nicole Brenez).