Philippe Cote

Dans le cadre du Festival des cinémas différents

Pour chaque compétition, chaque film, des liens utiles pour suivre le festival : site du cinéaste, entretien, critique, films…

Festival des cinémas différents – compétition 1 : cliquer ici

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Entretien avec Maria Kourkouta – ( PRELUDE 10 (ANALYSA) ) : cliquer ici

Entretien avec Guillaume Mazloum – ( 3 premières fractions ) : cliquer ici

Cinq textes de Gloria Morano : TOTALITARIAN NATURE, Cristine Brache – Excavation 3045/2013, Avi Dabach – Pornotopia III, Mariana Torres – Self, Slawomir Milewski – The Aegean or the Anus of Death, Eleni Gioti : là

Trois textes ( en anglais ) : JUST LIKE US, JESSE MCLEAN, LET US PERSEVERE IN WHAT WE HAVE BEFORE WE FORGET, BEN RUSSELL, THE INVENTION OF THE DESERT, THIBAULT LE TEXIER : là

TOTALITARIAN NATURE – Cristine Brache

Un film, qui à première vue semble déployer une suite d’éléments didactiques de critique féministe, révèle sa force et sa justesse au fur et à mesure que l’on entre dans cet univers volontairement kitsch, à la fois distant et hypnotisant, finalement assez hermétique et intrigant. Cristine Brache, dont nous avions déjà montré une vidéo en 2013, poursuit son exploration de la mise en scène de soi au cœur des questionnements féministes, de la publicité et des réseaux sociaux, et plus en général de l’image du corps féminin toujours bien calamiteuse qui ressort des médias contemporains.

Excavation 3045/2013 – Avi Dabach

La lente redécouverte d’objets sortis des débris d’une maison palestinienne qui a été détruite. Les pieds des archéologues qui marchent dans les ruines, leurs mains qui, méticuleusement, ressortent les traces du quotidien enseveli sous les décombres. Ce sont les premières images de ce film israélien qui questionne la guerre israélo-palestinienne de manière simple et silencieuse, par les objets qui en restent. Un lyrisme documentaire sobre et percutant surgi d’images dépouillées et immédiates.

Pornotopia III – Mariana Torres

Des corps tirés de scènes porno réutilisés et repeints : Pornotopia III interroge de manière directe et profonde la forme physique dans son essence. Les corps se muent en traits de pinceau couleur peau ou couleur lèvres, les silhouettes surgissent l’une après l’autre, en enchainant les différentes possibilités anatomiques. La musique et les voix augmentent la puissance de ce travail de found footage, extrêmement rythmé et vigoureux.

Self – Slawomir Milewski

Un film fait de silences, de lenteurs, de plans difficiles à décrypter. A travers une suite de portraits rapides et énigmatiques, Slawomir Milewski représente la subjectivité du regard, les moments où la perception devient pensée sur l’image, mise en relation révélatrice avec le monde qui nous entoure.

The Aegean or the Anus of Death – Eleni Gioti

Un pamphlet vidéo crié : à première vue, un film aux traits assez démonstratifs dénonçant le racisme d’extrême droite présent de façon de plus en plus violente en Grèce. Derrière cette première couche colérique, des images énigmatiques (la gesticulation de l’homme au gilet de sauvetage) et la récurrence impressionnante de beauté et de tragique du bateau retourné dans la mer, évocation des nombreux immigrés morts en Méditerranée : un film résolument insurgé dans lequel le propos militant est composé de manière essentielle et puissante dans le dialogue entre le poème crié et les différentes images semi-documentaires.

Gloria Morano

( Remerciements à Gloria Morano )

Dans le cadre du Festival des cinémas différents –

Lieu : Les Voûtes, 19 rue des Frigos Paris 13e

COMPÉTITION INTERNATIONALE : PROGRAMME#4

1 / Tu nous présentes les 3 premières fractions d’une série qui en comptera 7, est-ce que tu peux nous en dire un peu plus sur les fractions suivantes

Les fractions sont nées de ma manière de filmer. Ces 4 ou 5 dernières années, j’ai beaucoup filmé sans avoir de projet précis en tête, j’ai accumulé plusieurs heures d’images. Parallèlement je lisais beaucoup. Peu à peu certains textes sont venu rencontrer des images que j’avais filmées et l’idée de ces fractions est née. Tous ces petits films formeront un ensemble cohérent, un cheminement. J’ai pour l’instant les 7 premières en tête mais il y en aura peut-être plus. Ces films témoignent d’une recherche personnelle que je mène depuis longtemps avec des thèmes récurrents, la violence, la révolte, l’enfermement. La quatrième fraction nous emmènera au bord de l’océan, et la cinquième vraisemblablement dans les rues de Paris.

2 / Est-ce qu’elles suivent une chronologie, un ordre ? et quelle est la nature de ce fil conducteur ?
Les 3 premières fractions possèdent une cohérence formelle : motif unique, durée du plan… Est-ce qu’il en sera de même pour l’ensemble des fractions ? Est-ce que ce dispositif a été décidé dès le départ ?

Il n’y a pas de chronologie proprement dite, mais plutôt un cheminement de pensée, qui suit ma découverte de certains textes et auteurs traitant de questions qui me sont chères.
L’envie de travailler des motifs par film est venue de la pratique. Ces films sont fabriqués avec des moyens artisanaux au Laboratoire L’Abominable à La Courneuve et chaque opération prend beaucoup de temps. Ce travail me demande beaucoup de rigueur, j’imagine que cela doit avoir un lien avec leur forme peut-être un peu rigide. Pour la durée, j’ai l’impression que plus j’avance plus je fais des plans longs avec toujours les limites de métrage des bobines heureusement. Plus sérieusement la durée est un élément essentiel à cette recherche. Confronter les mots et les images est un exercice délicat pour moi. Les mots semblent toujours occuper tellement d’espace, j’ai essayé de trouver un équilibre.

3 / Tu présentes ton film comme un autoportrait. Aurore, ton film précédent, pouvait être abordé aussi comme un autoportrait qui empruntait comme celui-ci une forme indirecte. Dans Aurore, cela passait par le portrait d’une jeune femme et dans les fractions, cela passe par l’illustration de citations littéraires… Qu’en penses-tu ? et comment travailles-tu ces deux niveaux, si tel est le cas ?

Je ne vois pas trop comment je pourrais faire un film qui ne soit pas une forme d’autoportrait. Pour l’instant je ne me vois pas m’emparer de sujets ou de question éloignés de moi. Je filme de manière très instinctive, pas d’écriture, pas vraiment de choses prédéfinies, je suis surtout mes envies, des intuitions, même pour Aurore dont le cadre était plus proche de la fiction, tout s’est fait un peu à l’arrache je dois dire.
Pour les fractions, les textes ont un rôle très important, je voulais arriver à articuler ce travail de lecture qui m’a apporté énormément avec les images que je tournais sans arrêt. Pour la plupart des fractions les textes sont arrivés avant les images.

4 / Les films précédents que je connais de toi ( Fake, Aurore ) ont toujours travaillé également la question de l’impuissance et de l’enfermement. Dans les trois premières fractions, les films se concentrent principalement sur cet aspect à travers les situations et motifs : le piège, un train qui roule et arrive nulle part, le parc à enfant…et trouve leur prolongement par un travail plastique : un cadre et une durée qui enferment le regard, des perspectives bouchées, sans fond, un effacement de la définition dans l’image de nature impressionniste… Quel est le travail que tu as effectué pour obtenir ce résultat ?

C’est évident que ces questions sont très présentes dans mon travail, d’un point de vue politique les images ont une grande responsabilité, je pense qu’au-delà d’une recherche formelle, l’objectif est vraiment de permettre aux images et aux mots de résonner pour créer un espace de réflexion pour le spectateur. Pour ce qui est du travail plastique, les outils occupent une place importante dans ce travail, et imposent de nombreuses contraintes qu’il faut sans cesse évaluer pour pouvoir les contourner, les dépasser. J’imagine que c’est aussi cela qui donne cette impression de noirceur. Un long tunnel à traverser.

5 / Ton film pose aussi la question du spectateur, qui doit soutenir sur une certaine durée des situations limites, je pense surtout à la 3 ème fraction : par un regard caméra l’enfant interpelle un spectateur prisonnier de son état ? As-tu cherché à éprouver le spectateur, à tester des limites ?

La durée est nécessaire pour aménager suffisamment d’espace à la confrontation images/textes, j’en suis persuadé. Evidemment l’enfant interpelle, questionne. Mais à mon sens il n’y a pas de volonté de choquer ou de tester. Lorsqu’un film d’action prend en otage une salle de cinéma avec 30 ou 40 plans par minute, c’est bien plus dérangeant. Ici au contraire la durée tente de libérer de l’espace. Maintenant la question morale qui peut parfois se poser ne m’intéresse pas trop. En revanche certains se demanderont peut-être: « mais qu’est-ce qu’il me veut ce type? »

6 / Le son a une texture particulière – Quelle est la source sonore et le travail effectué ?

Pour la majorité, les sons viennent de vieilles bandes magnétiques qui traînaient à l’Etna ( Laboratoire de cinéma artisanal parisien ) depuis des années. On a failli les jeter lors du dernier déménagement et quelqu’un a dit « non on les garde, ça peut servir ». Et puis un jour j’ai commencé à les écouter et et à les numériser. Ensuite le son est reporté sur la pellicule directement en utilisant la technique du son optique, qui était la norme pour la projection 16mm. Cela en réduit considérablement l’amplitude. Entre le vieux magnéto poussiéreux qui m’a servi à les lire et ma manière peu méticuleuse de travailler en labo, Il en résulte un son très chargé, lourd, et relativement peu défini.

7 / L’image ( et le son ) possède une densité matérielle : le plan a un poids, une véritable inscription physique et présence. Nous sommes face à des plans ( à l’image du sculpteur qui taillerait dans un bloc de durée ) et non des images. Comment vois-tu ta place dans un cinéma de plus en plus dominé par la volatilité de l’image, liée aux usages numériques. ?

Encore une fois, la pratique a un rôle prépondérant dans ces films, la plupart des opérations qui mènent à la fabrication de ces copies 16mm sonores, je les ai réalisé moi-même. Imagine que dans un labo commercial traditionnel, pour en arriver là de très nombreuses personnes avec des savoirs faire précis et spécifiques auraient opéré de tout aussi nombreuses opérations sur des machines hors de prix. Réaliser toutes ces opérations sans avoir évidement toutes les compétences prend énormément de temps, la poussière, l’erreur et l’approximation deviennent alors partie prenante de ce travail. C’est très personnel, pleins d’autres gens travaillent avec bien plus de précision, mais pour moi tout cela est tout de même bien empirique. Et toutes ces machines qui peuvent parfois être un peu impressionnantes deviennent des terrains de jeux. Je suis comme un gosse qui joue avec de gros trucs bruyants. C’est en partie ainsi que je suis arrivé à ce que la matière soit aussi présente dans le film. C’est clair que c’est une réaction directe à la dématérialisation ambiante, et peut-être même une forme de résistance. Mais au-delà de ça le plaisir de faire des images avec mes mains est je pense la raison principale qui me pousse à faire tout cela.

( Entretien réalisé par Philippe Cote en Octobre 2014 – Remerciements à Guillaume Mazloum )